DANS LA FABRIQUE DES FESTIVALS

Philippe, tu diriges et programme le festival Jazzdor à Strasbourg depuis plus de 30 ans. Comment décrirais-tu les ressorts de cette longévité ? La passion t’anime-t-elle encore après toutes ces années ?
36 ans, oui, et je me retire finalement. Il était temps, je pense. J’aurai 69 ans en décembre. Je suis devenu directeur de Jazzdor par accident et il a fallu beaucoup de temps et de patience, d’engagement aussi, pour développer notre activité car le festival au début ne reposait que sur une équipe bénévole avec un tout petit budget. J’avais hérité aussi d’une dette assez importante à l’époque. Il m’a fallu trois ans pour apurer les comptes. Ensuite, il a fallu beaucoup travailler pour trouver des salles et des villes partenaires, de nouveaux financements. J’aurais passé finalement plus de trente ans à développer tout cela pour arriver à créer une petite entreprise créative qui tient la route. La passion de la musique reste intacte, oui.

Avant d’être directeur de festival, tu as été pianiste. Je n’ai jamais eu l’occasion de te voir jouer, mais je me rappelle qu’en consultant les archives du festival Météo – anciennement Jazz à Mulhouse, que j’ai dirigé pendant quelques années, j’avais vu ton nom apparaitre plusieurs fois… Qu’est-ce que cela fait de passer de devant à derrière la scène ? N’as-tu jamais ressenti de frustration de n’avoir pu continuer une carrière de musicien ?
C’est une question complexe mais à un moment donné il n’était plus possible de mener les deux activités de front. Jazzdor demandait un engagement total et la musique également. J’ai dû faire un choix mais ce fut douloureux. Bref, je n’ai pas de regrets finalement même si cette question reste un sujet pour moi. De toute façon mes mains sont douloureuses maintenant. J’ai certainement beaucoup trop joué au-dessus de mes moyens techniques à l’époque !

Comment résumerais-tu la ligne artistique du festival Jazzdor ? A-t-elle évolué avec le temps ?
J’essaye de témoigner de ce qu’est le jazz aujourd’hui depuis presque quarante ans, avec vivacité, au-delà de ce que prescrit le marché. Au commencement je programmais peu d’européens et venais plutôt du post hard-bop, du free-bop pour faire court. Je venais de la sphère Monk/Mingus et mon premier groupe programmé en 1989 fut le trio Geri Allen/Charlie Haden/Paul Motian. Mes programmes se sont ouverts au fur et à mesure des musiques entendues, des nombreux voyages effectués à NYC, dans beaucoup de festivals en Europe. Mais dès le début des années 80 je programmais déjà dans mon club le Lazy Bird, avec aussi bien Chet Baker, qu’Alex von Schlippenbach, Anthony Braxton, John Lurie et les Lounge Lizards…

Ce qui distingue un festival d’un autre, c’est aussi son territoire d’implantation. Quelles sont les singularités du territoire principal dans lequel Jazzdor évolue ? Vous avez également développé vos activités de programmation outre-Rhin, créé un festival Jazzdor à Berlin, un autre désormais à Budapest… Pourquoi ces extensions ? Dans quelle démarche cela s’inscrit-il ?
Notre territoire transfrontalier avec l’Allemagne, la Suisse en particulier a forcément marqué l’évolution du désir de faire ensemble avec nos voisins.
Pourtant, ce fut un chemin de longue haleine tellement les frontières sont restées difficiles à franchir pour les esprits. Sauf pour le commerce qui n’a de mémoire que son propre profit. La création de Jazzdor à Berlin fut le résultat d’une suggestion du bureau export de la musique française à l’époque. Jazzdor à Budapest est le fruit d’une dizaine d’années d’échanges et de partages avec BMC (Budapest Music Center). Ce lieu assez unique qui produit beaucoup de musiciens français et qui abrite aussi la fondation Peter Eötvös est également le lieu de résidence de György Kurtág. J’aime cette vibration que j’entends dans ce lieu entre les grandes musiques du XXe siècle…
Cette démarche s’inscrit plus largement dans une démarche d’échange et de développement de la mobilité artistique qui est au cœur de notre projet de SMAC jazz à vocation internationale.

Tu fais partie de ceux qui présentent sur scène, micro à la main, tous les concerts. Est-ce important pour toi l’incarnation d’un festival ?
Je pense que oui. J’essaye souvent de raconter l’envers du décor aux gens qui sont là. Dans les meilleurs moments, j’ai le sentiment que nous faisons famille.

Est-ce que le stress inhérent à l’organisation d’un festival et à ses inévitables imprévus s’estompe avec le temps et l’expérience (juste pour savoir, hahaha) ?
Il ne s’estompe guère, malheureusement, mais l’expérience permet simplement de prendre davantage de distance avec les événements perturbants. Il faut être à la fois confiant et fataliste. 

Être directeur d’un festival, dans le modèle de Jazzdor (tu es à la fois directeur et programmateur) ce n’est pas seulement faire la programmation artistique… A combien estimes-tu finalement la part de ton temps consacré à la programmation du festival ? 
Je suis directeur général et directeur artistique de Jazzdor et je n’ai jamais aimé la notion dépréciatrice à mon sens de programmateur alors que j’essaie de suivre une réelle démarche artistique. Sinon je crois que c’est à peu près du 50/50.

« Le plus problématique reste le budget artistique qui s’érode au fur et à mesure… »

C’est quoi pour toi un bon programme de festival ?
Deux mots me viennent : équilibre et ouverture. Ce fragile équilibre entre quelques noms repérés, aimés voire adoubés selon nos critères esthétiques et l’ouverture aux nouveaux venus porteurs de promesses.

De l’extérieur, on n’a pas toujours conscience du nombre de contingences qu’il faut prendre en compte dans la programmation artistique d’un festival. Pourrais-tu, pour éclairer un peu cet aspect, en énumérer quelques-unes avec lesquelles tu as dû composer toutes ces années ? Ont-elles changé/évolué avec le temps ?
La taille, la jauge et l’implantation des salles en est une. Penser à créer des groupes franco-allemands cohérents et convaincants capables de mobiliser suffisamment de public pour remplir raisonnablement des salles de 500 places à Strasbourg et en Allemagne est chaque année un casse-tête que je ne souhaite à personne !
A Strasbourg, nous manquons de salles appropriées pour la musique. Le pire sans doute est la sempiternelle question du remplissage… J’ai dû me bagarrer pendant des années avec les tutelles pour leur faire admettre que nous ne pouvions à la fois défendre la création, la prise de risque artistique et remplir les salles. Pour autant avec le temps et avec souvent aussi un public qui vient de loin et le public de la grande région, Suisses et Allemands, Luxembourgeois y compris, jeunes et vieux à la recherche de la rareté, de la singularité, notre taux de fréquentation comme on dit dans le métier est très bon. Et puis… Personne n’aime les salles vides.
Le plus problématique reste le budget artistique qui s’érode au fur et à mesure car les frais de fonctionnement explosent et le montant des subventions stagne ou est revu à la baisse et ce n’est que le début. Depuis quelques années, il faut créer de nouvelles activités pour générer de nouveaux financements. C’est épuisant à la longue.

Quand j’ai commencé ce métier, assez rapidement une angoisse est apparue concernant la programmation : comment éviter de tourner en rond, de tomber dans un certain « confort » ? Comment garder l’énergie de rester curieux et ouvert ? comment rester connecté aux générations qui arrivent ?… As-tu eu peur parfois de tomber dans ce piège ? Quelles ont été tes stratégies pour éviter cet écueil ? As-tu déjà été tenté de déléguer une partie de la programmation par exemple ?
J’ai cette inquiétude chaque année. A chaque fois je me demande comment je vais bien pouvoir faire. Je crois que j’y parviens finalement à chaque fois mais je n’ai aucune stratégie à part celle de la combinaison des double-plateaux qui force l’imagination ou celle de nouveaux lieux avec de nouvelles contraintes comme les concerts au Planétarium de Strasbourg par exemple.
Cela dit, je sens depuis peu que je m’essouffle (il était temps !). Il y a trop de contraintes qui empêchent de se concentrer uniquement sur la musique. Déléguer une partie de la programmation serait impensable pour moi. Ce serait se priver de la meilleure part du job, sans blague !

Quel auditeur es-tu aux concerts ? Arrives-tu à faire abstraction de ton rôle de programmateur et à t’abandonner dans la musique ? J’imagine que ce n’est pas exactement pareil quand c’est un concert que tu as programmé et quand tu te déplaces chez les autres… ?
Cela dépend des lieux et des circonstances. Je m’abandonne à la musique quand elle me parle sinon je m’en vais sauf quand la politesse exige de rester. Ensuite, chez les autres, il m’arrive de me demander si je programmerais ce que j’entends. Quand c’est non, j’essaye de m’esquiver, surtout quand il y a cinq concerts par jour et que mes oreilles débordent déjà.

Est-ce que tu te déplaces encore beaucoup dans les autres festivals ? Est-ce que certains t’ont influencé dans ta façon d’organiser un festival et de le programmer ?
Je me suis beaucoup déplacé pendant vingt-cinq ans environ. Depuis la Covid, voyager est devenu un cauchemar même en Europe. L’Europa Jazz du Mans m’a certainement influencé dans les années 1999/2000. La programmation européenne était florissante. Le festival de Saalfelden en Autriche, aussi. Les clubs new-yorkais surtout downtown ont fait le reste. Voir comment tes collègues organisent les choses est toujours intéressant, bien sûr.

Les musiques que nous défendons sont des musiques vivantes, en perpétuel mouvement. Quelles sont pour toi les grandes tendances d’évolution et de transformation qu’ont vécues ces musiques depuis 30 ans ? Pourrais-tu me donner quelques noms de musiciens ou musiciennes qui ont selon toi, pendant cette période, « changé la donne » ?
Pour moi ce fut d’abord Steve Lacy dès les années 80 ou comment construire et développer une musique avec le même groupe à géométrie variable sur le long terme (mais je l’avais déjà entendu dans les années 70…). Écrire, improviser, s’ancrer dans l’héritage monkien et s’en émanciper. Puis ce fut Dave Liebman et en particulier avec Quest dans les années 80/90, « A chromatic approach of melody and harmony ». Ensuite dès les années 80 aussi le travail rythmique approfondi apporté par Steve Coleman avec M-Base et un peu plus tard son travail avec Five Elements. 
Tim Berne a lui aussi amené un univers compositionnel très singulier dès les années 90 surtout dans son travail en trio. Comme un héritier de Lacy, quelque part, dans sa pensée musicale sinueuse…
Marc Ducret me semble essentiel à ce sujet tant dans sa position de soliste que de compositeur. Il est unique. Benoît Delbecq a lui aussi ouvert une voix totalement originale. Craig Taborn, Matt Mitchell… Steve Lehman… Ont-ils vraiment changé la donne ? Je ne sais pas mais ils ont ouvert de nouvelles portes, certainement. Un certain nombre de très bons jeunes musiciens mêlent désormais des éléments qui conjuguent improvisation et écriture, se nourrissant d’une très érudite connaissance de toutes les musiques du XXe siècle. Oliver Steidl & the Killing Popes ou encore Valentin Ceccaldi et le quartet Bonbon Flamme tracent eux aussi des pistes passionnantes en dehors des sentiers battus…

Le jazz te semble-t-il avoir encore une place importante dans la scène musicale contemporaine ? Comment perçois-tu son évolution ? Est-ce qu’une classification des festivals par esthétiques fait encore sens pour toi aujourd’hui ?
Oui sans nul doute et de nouvelles formes plus hétérogènes stylistiquement voient de plus en plus le jour mais la tiédeur ambiante ne les aide pas. Combien étions-nous en France à programmer Ex Machina de l’ONJ de Frédéric Maurin et Steve Lehman par exemple ? Misère… Il faut abattre les murs des chapelles. Un festival comme Big Ears à Knoxville/USA fait ce travail. J’espère que mon successeur prendra un chemin comme celui-là. 

Je ne sais pas si la musique peut changer le monde… mais pour sûr elle peut changer la vie. Pourrais-tu me citer 2 ou 3 concerts (que tu as programmé ou non) qui ont bouleversé la tienne ?
Un concert de Sonny Rollins à Nancy Jazz Pulsations. Le trio de Jarrett/Peacock/DeJohnette au Palais des Congrès à Strasbourg (je n’en ai pas dormi de la nuit). Une fois seulement j’ai eu le sentiment d’être au cœur d’un événement historique et c’était le cas : l’un des derniers concerts du Liberation Music Orchestra de Charlie Haden avec Carla Bley à Jazzdor.  Je n’oublierai jamais Mal Waldron et Jeanne Lee… leur douceur…

Quand on est programmateur, on est rapidement pris sous l’avalanche de sollicitations inhérente à ce métier. Devoir dire « non » bien plus souvent que « oui », et parfois se confronter à la frustration des artistes n’est ni facile ni agréable… Comment as-tu géré cela pendant toutes ces années ?
Comme j’ai pu, sincèrement. C’est difficile. Au fur et à mesure des années j’ai appris à dire non mais c’est toujours compliqué. Certains musiciens aiment cette franchise, d’autres non. C’est l’une des difficultés de ce métier.

Quand je suis arrivé au festival Météo à Mulhouse, une partie du public me disait : « On en a marre de voir Peter Brötzmann à chaque édition du festival ». D’autres (parfois les mêmes) se plaignaient finalement quand il n’était pas là. A Sons d’hiver, je me suis récemment rendu compte que j’avais invité Hamid Drake à chaque édition depuis que je suis arrivé en 2018… As-tu de ton côté des artistes qui t’ont suivi dans tes programmations toute ta carrière ? Que représente pour toi cette notion de fidélité envers certains artistes ?
Hahaha ! Oui je connais ça très bien. J’ai programmé Marc Ducret chaque année pendant peut-être quinze ou vingt ans. Sans le faire exprès, presque, tellement l’évidence musicale était forte. Joachim Kühn, Louis Sclavis, Daniel Erdmann, Samuel Blaser, François Corneloup, Steve Lacy, Mal Waldron, je ne peux les nommer tous, ont été mes compagnons de route pendant toutes ces années. J’aime cette idée de compagnonnage au long cours, de chemin qui se construit mutuellement.

Un sujet revient fréquemment dans les conversations entre professionnels : le vieillissement supposé du public dans les festivals de jazz. Quelle analyse fais-tu par rapport à ça ? Qu’en est-il à Jazzdor ? Penses-tu au renouvellement des publics quand tu fais la programmation du festival ?
Et à l’opéra, aux concerts classiques, au théâtre ? Le problème c’est le manque d’éducation. Le manque de pratique artistique collective à l’école. La marchandisation de l’art. Je ne pense pas au renouvellement des publics quand je programme, je ne pense qu’à la qualité musicale des projets et à comment elle s’inscrit dans son époque.

Philippe Ochem © Abdesslam Mirdass

Si, sans contrainte d’aucune sorte, tu avais pu apporter un changement majeur à Jazzdor ces dernières années, qu’aurais-tu fais ?
J’ai du mal à l’imaginer tant il aura fallu faire face à de multiples contraintes durant toutes ces années. Mais pour moi le modèle idéal serait un lieu unique avec plusieurs salles, convivial avec bar et restaurant, avec un programme dense et éclectique.

Philippe, tu as décidé de prendre ta retraite et de passer la main en 2025. D’ici quelques mois, quelqu’un d’autre que toi continuera l’aventure Jazzdor. Comment as-tu imaginé ta succession ? Te sens-tu prêt à être extérieur à ce qui se passe à Jazzdor ? 
J’apprends en marchant et mes pas me guident doucement vers la sortie, j’en fais l’apprentissage. Ma succession est entre les mains d’un jury, je dois m’y résoudre. Je pense être presque prêt désormais à passer à autre chose mais le chemin est long. C’est la première fois que je prends ma retraite, tu sais… ☺

Comment comptes-tu occuper ton temps ces prochaines années ? Quelle place occupera la musique ?
Je n’ai pas de plan et souhaite me poser et réfléchir, me débarrasser du plus de contraintes possibles dans un premier temps. Nous avons, ma femme et moi, commencé la rénovation d’une vedette fluviale hollandaise des années 80 (la Lazy Bird). Le plus gros est fait mais il reste pas mal de boulot.
La musique fera toujours partie de ma vie et mon piano s’impatiente, veux-je croire, mais je vais aussi essayer d’écrire sérieusement, de reprendre la peinture…
Et puis j’ai récemment été élu à la présidence de l’ONJ. Je vais accompagner Sylvaine Hélary pendant quelques années, ce qui me permettra aussi de garder un pied dans le « métier ».

Quand j’ai commencé ce métier, je suis allé rencontrer quelques collègues, pour prendre des conseils. Je me souviens être venu te voir par exemple quand j’ai démarré au festival Météo à Mulhouse. Quels conseils aurais-tu à donner à un.e directeur.trice artistique qui, aujourd’hui, se lancerait dans le métier ? A ton avis, quelles sont les qualités indispensables pour « réussir » dans ce métier ?
Avoir un projet ambitieux et avoir assez d’opiniâtreté pour le défendre. Il faut à la fois de la patience et de l’obstination.
Et avant tout il faut comprendre la musique qu’on entend au-delà de l’émotion qu’éventuellement elle procure. C’est-à-dire qu’il faut se former d’une façon ou d’une autre. Ecouter et/ou jouer beaucoup de musique. Puis creuser et creuser encore.