grand entretien

Mary, félicitations pour le prix Jazzwise 2025 que tu viens de recevoir. Peut-on dire que tu es déjà une musicienne sage (wise) ?

Je ne suis pas sûre de comprendre ce que cela signifie. Est-ce que je me considère comme sage ? Probablement pas.

N’est-ce pas une association étrange, « jazz » et « wise » ?

Je suppose… Je n’avais jamais réfléchi à associer ces deux mots. Je pense qu’il n’est pas nécessaire d’être sage pour apprécier le jazz, et j’ai l’impression que l’objectif est aussi d’apprendre et d’expérimenter en permanence, donc avec cet état d’esprit, on ne se sent jamais vraiment sage… On est toujours en train de chercher à comprendre.

Tu as reçu ce prix pour deux albums. L’un d’eux, About Ghosts, parle de fantômes. Les fantômes et les esprits sont-ils des partenaires essentiels pour toi quand tu crées de la musique ?

J’ai toujours été consciente de cela. J’aime les choses surnaturelles. Je pense que peu importe que ce soit réel ou non, ce qui m’importe, c’est que j’apprécie la sensation que l’on peut ressentir dans certains endroits, qui peuvent avoir une énergie particulière, vous voyez ? Qu’il y ait un fantôme ou non, on peut ressentir une énergie très positive dans certains endroits, ou au contraire, certains endroits peuvent nous donner la chair de poule sans raison. Je me souviens, quand j’avais une vingtaine d’années, j’ai fait une tournée aux États-Unis, j’ai parcouru tout le pays en voiture, et quelqu’un dans le groupe avait un livre intitulé Haunted Places in America (Lieux hantés en Amérique). Nous sommes allés dans plusieurs de ces endroits, nous avons joué dans un théâtre hanté à Cleveland et nous avons séjourné dans un hôtel hanté quelque part en Arizona… J’adorais lire toutes ces histoires. C’est vraiment intéressant… Pour moi, cela reste lié à l’intuition. L’intuition est très importante en musique… Donc, cette idée d’un sentiment qu’on peut recevoir d’une chose est pour moi liée aux fantômes. Cela a donc plusieurs significations… Susan Alcorn, la guitariste de pedalsteel, est décédée subitement en janvier dernier, alors que je préparais cet album, About Ghosts. Je pensais beaucoup à elle et j’y pense encore beaucoup aujourd’hui, j’ai beaucoup essayé de comprendre ce qui s’est passé, alors j’ai fini par lui dédier l’album. Je pouvais presque l’entendre dans la musique et, pour moi, elle est devenue comme un autre fantôme. Même si cela s’est produit plus tard.

Ghost m’évoque aussi ta collaboration avec Anthony Braxton, avec qui tu as joué au sein du collectif Ghost Trans Music 12 + 1.

C’est drôle. Tu es la deuxième personne à me poser cette question en deux semaines. Cette semaine, quelqu’un m’a posé la même question. Et c’est vraiment drôle, parce que je n’y avais littéralement jamais pensé. Mais maintenant que tu en parles, je trouve que c’est un exemple intéressant d’influence. Je n’y avais pas pensé en imaginant le titre de l’album. Cela montre simplement que les influences sont partout et qu’elles s’infiltrent. J’ai beaucoup joué Ghost Trans au fil des ans. Je pense donc que ce mot m’est probablement resté en tête. Ce n’était donc pas intentionnel. Mais si c’est un clin d’œil involontaire à Anthony Braxton, alors je trouve ça génial.

Dernière question au sujet des fantômes. L’un de tes partenaires dans Illegal Crowns, Benoit Delbecq, a sorti un album en compagnie de Gerard Cleaver intitulé Gentle Ghosts. Tes propres fantômes sont-ils toujours gentils ?

Non, probablement pas et je pense qu’ils peuvent prendre toutes sortes de formes. Mais c’est super cool, ce sont deux de mes musiciens préférés. Et s’ils ont des gentils fantômes près d’eux, alors c’est parfait.

Jacques Denis t’a très bien décrite dans le journal Libération. Et ces deux mots me semblent être une façon évidente d’expliquer ton travail à ceux qui ne le connaissent pas : complexe et évident. Te reconnais-tu dans ce paradoxe ?

Je pense que oui. J’aime bien cette idée d’opposition. J’étudie l’astrologie, et cela revient souvent en quelque sorte aux oppositions. Tout le monde est la face d’un pôle. Mais j’aime aussi les choses évidentes. Parfois, quand on essaie d’écrire de la musique ou autre chose, souvent l’idée la plus évidente, ou la première qui vient à l’esprit, est la meilleure. Donc quand je compose ou quand j’improvise, j’essaie de ne pas remettre en question quoi que ce soit. C’est pourquoi j’aime l’idée de quelque chose d’évident. Je pense que parfois, les gens cherchent quelque chose de trop mystérieux, alors que parfois l’évidence est devant eux. D’un autre côté, oui, beaucoup de ce que j’écris n’est pas si simple. Il y a une certaine complexité, ou du moins une partie. Donc oui, je dirais que je m’identifie à cela, au fait d’avoir ces deux éléments présents en moi.

Cela se rapproche peut-être aussi des leçons que tu as pu recevoir auprès d’Henry Threadgill : ne jamais perdre le contact avec l’auditeur, quelle que soit la complexité de la forme.

Hmm… C’est intéressant. Quand je compose, j’essaie de créer une musique qui me plaît. Je ne cherche donc pas vraiment à faire de la musique qui plaise à l’auditeur. Cela dit, je n’essaie pas non plus de l’aliéner. Quand je pense à la musique, je me dis qu’il est impossible de plaire à tout le monde, et que ce n’est pas le but. Je pense que le but est de se faire plaisir à soi-même. Quoi que vous fassiez, il y aura toujours des gens qui détesteront votre musique et d’autres qui l’adoreront. Donc, quand je crée de la musique, j’essaie vraiment de me demander si je me sens bien avec ce que je fais. Je n’essaie ni d’attirer les gens, ni de les repousser. Bien sûr, c’est génial si les gens peuvent entrer dans votre univers et apprécier votre musique, mais je ne m’y attends pas non plus. C’est plutôt comme ça que je vois les choses. Je veux juste laisser émerger quelque chose dont je suis fière ou qui puisse me rendre heureuse. Juste pour voir, ensuite, ce que ça donne.

Était-ce à peu près ton état d’esprit lors de la reprise des Beatles pour la compilation Impulse! ?

Ils m’ont proposé cela et comme j’ai toujours adoré les Beatles, je me suis dit : pourquoi pas ? Le défi était amusant, c’est une chose que je n’ai jamais faite auparavant. Les reprises sont particulièrement délicates à réussir, car on reprend une chanson parce qu’on aime l’original et il est presque impossible d’en créer une meilleure version. Là, j’ai simplement essayé d’y apporter ma touche personnelle. En fait, j’ai essayé de le faire de mémoire, sans réécouter la chanson, mais en partant de ce dont je me souvenais de ce morceau, pour l’avoir entendue quand j’étais enfant par exemple. J’ai donc essayé de m’éloigner le plus possible de l’original. Je ne suis donc pas revenue en arrière pour la retranscrire ou la réécouter, mais j’ai essayé de me dire : « Voici mon souvenir de cette mélodie. Il s’est un peu estompé ou modifié au fil des années et de mes expériences. Voici ma vague idée de cette chanson. » J’espère qu’elle dégage une énergie légèrement différente de la version des Beatles. Si quelqu’un veut écouter l’originale, il peut très bien le faire sans moi.

Aujourd’hui, le monde semble se diviser de plus en plus entre celleux qui privilégient la nuance et celleux qui choisissent d’être rassuré·es par une classification. Si l’on applique cela à la musique, on voit émerger le débat sur ce qui est jazz ou non. Te considères-tu comme une musicienne de jazz ?


Je ne sais pas, et en fait, j’essaie de ne pas m’en préoccuper. J’adore le jazz, et c’est probablement ma plus grande influence. C’est la musique que j’ai étudiée. Et c’est essentiellement le jazz qui m’a donné envie de devenir musicienne. Cela dit, je ne joue pas du jazz traditionnel, je dirais plutôt que je suis une musicienne influencée par le jazz. Mais je ne m’intéresse pas vraiment aux catégories. Donc si quelqu’un veut appeler ‘jazz’ ce que je joue, cela ne me dérange pas. Et si quelqu’un veut dire que je ne joue pas du tout ‘jazz’, que cela n’a rien à voir avec cette musique, cela ne me dérange pas non plus. J’ai beaucoup de respect pour l’histoire du jazz et toute la musique qui l’accompagne. Je comprends aussi pourquoi les catégories existent. Mais je pense vraiment que ce n’est qu’un moyen de classer un album quelque part dans un magasin de disques. Je considère donc plutôt cette étiquette comme une question pratique. Parce que j’aime la musique qui ne rentre pas parfaitement dans des catégories. Je ne m’en préoccupe donc pas trop. Et cela ne me dérange pas. Certaines personnes s’énervent vraiment à propos de la définition du jazz et se demandent si telle ou telle musique est du jazz. Ce n’est tout simplement pas mon cas. Je m’en fiche réellement.

Est-il difficile de rester libre en musique à notre époque ?

Non. Pour moi, la musique a toujours été une source de liberté, une échappatoire ou un espace dans votre vie où vous pouvez être totalement créative ou créatif et faire ce que vous voulez. Ainsi, peu importe ce qui se passe autour de moi, je pense que je trouve en elle un espace où cela a toujours été possible. 


Ces derniers temps, des mouvements politiques radicaux émergent en France et ailleurs. Dans le domaine culturel, on commence à entendre dire que la bonne musique est celle qui est écoutée par un grand nombre de personnes. Penses-tu que la musique libre de musiciens libres puisse encore lutter contre cette idée commerciale ?

Dans un sens, oui, et c’est aussi le cas aux États-Unis. C’est plutôt inquiétant, comme partout dans le monde, cette montée du fascisme et des mouvements d’extrême droite. Et évidemment, ce n’est pas bon pour les arts, encore moins pour les formes de musique créatives. Mais j’ai aussi l’impression qu’il y aura toujours une résistance, et qu’elle agira toujours en underground. Dans de nombreux cas, cela va pousser les gens à travailler plus dur, à lutter contre cela et à manifester leur opposition, que ce soit en participant physiquement à une manifestation ou en créant une musique qui défend des valeurs opposées.

Tu vas donc jouer à Sons d’hiver avec un groupe appelé Illegal Crown. Cela pourrait nous ramener à la dimension politique de la musique que tu joues.

Beaucoup de gens font de la musique ouvertement politique, mais pour moi, cela dépend. Je suis heureuse d’en parler et de lutter contre cela, mais parfois, je considère la musique seulement comme un moyen de m’évader un instant et d’entrer dans un autre monde. Pour moi, la musique a souvent fonctionné comme un répit face à l’état extrêmement déprimant du monde. Mais là encore, il est impossible de séparer les deux choses. Je pense donc que les deux sont inextricablement liés. C’est drôle que nous ayons appelé ce groupe Illegal Crowns, car à l’époque, je pense que c’était plutôt un jeu de mots ou quelque chose comme ça. Maintenant, quand j’y repense, cela semble assez approprié à ce qui se passe actuellement. C’est assez intéressant.

C’est amusant de voir comment Illegal Crowns fait écho au mouvement actuel No King.

Oui, c’est intéressant, on dirait presque une prémonition. 


Comment as-tu découvert la guitare électrique ? Était-ce ton premier instrument ?

Mon premier instrument était en fait le violon. J’en ai joué pendant quatre ou cinq ans en orchestre, mais cela ne me convenait pas vraiment. Puis j’ai découvert Jimi Hendrix quand j’avais environ 11 ans et c’était ce que je voulais faire. Je crois qu’il y avait une guitare acoustique qui traînait chez mes parents, qui appartenait à ma tante. Comme j’avais déjà quelques bases musicales, j’ai pu commencer à apprendre des morceaux toute seule, notamment des chansons des Beatles, mais c’est Jimi Hendrix qui m’a vraiment marquée au début. La guitare a donc été mon deuxième instrument. Puis j’ai trouvé un professeur qui était guitariste de jazz et il m’a initié à ce style. Au lycée, je me suis vraiment passionnée. J’ai aussi joué du saxophone alto pendant un certain temps. Mais ensuite, je devais choisir, et j’ai choisi la guitare.

Comment as-tu découvert l’improvisation ? Te souviens-tu de la toute première sensation ?

Je me souviens de la première fois où j’ai fait de l’improvisation libre. J’avais un ami qui était guitariste. C’était à l’époque où j’étudiais le jazz et où je faisais donc un peu d’improvisation. Je pense que ma première improvisation s’est faite sur un morceau, en apprenant des accords, des arpèges et des choses comme ça. Puis je me suis fait un ami dans un stage musical qui m’a dit : « Jouons de l’impro libre. » Je lui ai demandé : « C’est quoi ça ? » Il m’a répondu : « On va juste jouer, sans rien préparer avant. » Je me souviens de cette idée. Je n’avais jamais pensé à quelque chose comme ça auparavant. Je me souviens avoir trouvé cette expérience très excitante, de partir de rien. Mais c’est drôle, quand on étudie la musique et qu’on nous enseigne certaines choses, on n’envisage pas d’autres possibilités. Quelques souvenirs comme celui-là, une petite expérience, m’ont soudainement ouvert un tout autre horizon musical. J’avais probablement 13 ans ou quelque chose comme ça quand cela s’est produit.

« On demandait à Bill Frisell ce qu’il pensait de la pratique ou du fait de jouer de la musique, et il a répondu que c’était comme tailler un bloc de bois toute sa vie… »

Comment définirais-tu ton son ?

J’espère qu’il n’est pas figé… (rires) J’essaie toujours de m’améliorer à la guitare et de faire évoluer mon son. J’ai toujours accordé beaucoup d’importance à la qualité acoustique de l’instrument. Et depuis que j’ai commencé à jouer de la guitare, j’ai toujours joué avec une attaque très forte. Je pense que j’ai un son très physique. J’aime entendre le son du bois, des cordes et de l’instrument. Mais c’est aussi une guitare électrique, donc elle peut changer la forme de l’enveloppe sonore, il y a les pédales d’effets avec lesquelles jouer. J’aime commencer avec un son clair, puis avoir la possibilité de brouiller les cartes.

On pourrait te considérer comme une musicienne libre parce que tu es très prolifique avec près de 35 albums en tant que leader ou co-leader. Que représente un disque pour toi ? Est-ce un instantané ? Est-ce une offre économique ? Est-ce un moyen de laisser aller ses idées afin d’en trouver de nouvelles ? Un moyen d’explorer le son ?

Ce serait plutôt un instantané. Quand je fais un disque, j’essaie vraiment de tout y mettre et de le rendre le meilleur possible, quel qu’il soit. Donc, si je pense à quelque chose, je le mets dedans, comme si je voulais en finir avec ça. Et ensuite, je ne veux plus refaire le même album. Je pense donc que c’est, en quelque sorte, pour moi, un exercice créatif sur ce à quoi je pense à ce moment-là.

Nous parlons de disques. Es-tu toujours une ardente diggeuse de vinyles ?
Oui, bien sûr. Je suis une grande fan de vinyles, j’adore dénicher de nouveaux disques. J’écoute beaucoup de vinyles chez moi. C’est le bazar total, parce que je n’ai rien classé par ordre alphabétique, et je ne retrouve rien. Il y a des vinyles partout. Mais sinon, oui, j’adore acheter des vinyles.

Quel est le dernier ?

Oh là là, c’est une bonne question… Hum… J’aimerais être chez moi en ce moment, parce que j’ai toute une pile devant ma platine vinyle… Quelque chose avec Jim Hal je crois…

Je t’ai définie comme une musicienne libre, mais j’ajouterais que tu possèdes un vrai sens de la prise de risque et une sorte de, sans vouloir t’offenser, d’obstination. Ceci te rapprocherait de guitaristes comme Noël Akchoté ou Marc Ribot que tu as pu côtoyer.

J’adore ces deux musiciens, assurément. J’apprécie les guitaristes qui ont une voix très forte et quelque chose d’unique. Et je pense que Noël et Marc entrent clairement dans cette catégorie, ce sont des musiciens pour lesquels j’ai toujours eu beaucoup de respect et d’admiration. 


Ce qui te rapproche d’eux, si je peux insister, c’est aussi une finesse dans ton jeu, dans ton écriture, qui fait écho à une grande puissance.

Je me souviens d’une fois où… Je crois que c’était dans un documentaire… On demandait à Bill Frisell ce qu’il pensait de la pratique ou du fait de jouer de la musique, et il a répondu que c’était comme tailler un bloc de bois toute sa vie… Juste essayer de tailler et de s’améliorer. Je ne me considère pas du tout comme un prodige, et j’ai l’impression d’avoir encore beaucoup à apprendre. Mais c’est ce que je ressens, à chaque fois que je m’assois et que je travaille, j’essaie juste de progresser sur l’instrument de toutes les manières possibles, que ce soit la technique, l’écoute ou la découverte de nouvelles choses. J’ai l’impression d’être constamment en train d’essayer de m’améliorer, et c’est quelque chose qui s’apparente à la recherche de la qualité. Je pense souvent aux musicien·nes qui ne se contentent pas d’être à l’aise avec leur outil, mais qui regardent au-delà de ce qu’ils savent faire. Noël et Marc sont ainsi.

Jouer ne serait donc rien d’autre qu’une quête.

Oui, et cela rejoint en quelque sorte ce que tu disais à propos des styles en musique. Une des raisons pour lesquelles je ne veux pas me cantonner à un style, c’est parce que je tiens vraiment à la possibilité d’aller n’importe où, dans n’importe quelle direction. Tu sais, si j’avais envie de faire un album pop, je le ferais. Cette idée de recherche est faite de collaboration avec des gens venus d’horizons musicaux très différents. C’est quelque chose qui a toujours été important pour moi. Plus on reste ouvert·e, plus on évite de se cantonner à des catégories, mieux c’est. Je ne veux pas être mise dans une case ou étiquetée d’une certaine manière. Si j’arrive à faire ça, j’ai alors la possibilité de créer plus de choses, d’apprendre davantage.

Je donne peut-être l’impression que je te considère comme improvisatrice mais l’écriture est également très importante pour toi.

C’est certain. J’ai toujours aimé composer. Et de plus en plus, je trouve qu’il m’est difficile de séparer ces deux choses. Parce que tous mes albums en tant que leader comportent une part de composition. Certains plus que d’autres. J’ai l’impression qu’improvisation et composition, ça vient de la même partie du cerveau.

Cette idée te relie à l’école de John Zorn : faire musique de tout.

Que veux-tu dire par « tout » ?

Tous les styles, les répertoires, en intégrant à ta musique des éléments jazz, pop, classiques, traditionnels aussi.

Je ne pense pas le faire exprès. Ce n’est pas tant que je veuille que cela vienne de tout, mais plutôt que je ne veux éliminer aucune possibilité. Probablement que certains de mes disques sont plus fortement influencés par un style ou une autre, simplement parce que c’est ce à quoi je pense sur le moment. Pour moi, idéalement, c’est comme un kaléidoscope où l’on voit toutes ces choses sans pouvoir vraiment en identifier une en particulier.

Exemple de cela avec le disque de ton 40e anniversaire, Artlessly Falling, avec le groupe Code Girl. Tu y es inspirée par la forme écrite de la poésie. Ton inspiration dépasse souvent la musique, non ?

C’est tout à fait vrai. Je pense que cela s’explique en partie par le fait que la plupart des morceaux que j’écoute ont des paroles et sont chantés. Je me suis donc demandé : « Pourquoi ? Pourquoi est-ce ainsi ? À quoi cela ressemblerait-il d’écrire de la musique avec des paroles et des mots ? » Puis, quand j’ai réfléchi à la forme poétique et à la manière dont elle pouvait être transposée en musique, cette idée m’a vraiment intéressée. Si vous avez les paroles d’abord, vous savez de quoi parle la chanson, mais vous pouvez aussi utiliser la forme pour créer une structure dans la musique. Donc, si vous avez une forme irrégulière, peut-être comme un rythme à 13 temps, cela peut se traduire d’une manière ou d’une autre dans la musique. Je trouve ce genre de choses assez cool. Cela peut s’appliquer à n’importe quoi, comme… Tiens, mon père est architecte paysagiste. Mon premier emploi à New York était dans un cabinet d’architectes. J’ai donc toujours pensé à cela aussi, comme une source d’inspiration pour les structures. Elles ne sont qu’une forme différente de créativité. Cela peut aussi être aussi simple que d’aller dans un musée et de regarder un tableau. Mais souvent, mes influences sont moins littérales que cela.

Mary Halvorson & Sylvie Courvoisier © Veronique Hoegger

Tu fais aussi musique de tout le monde. Est-ce difficile de rester attentive et curieuse de ce qui se passe sur scène ?

Je m’intéresse vraiment à ce qui se fait actuellement dans le domaine musical et aux disques qui sortent partout dans le monde. Il y a tellement de musique qu’il est impossible de tout suivre. Il y aura toujours des lacunes dans vos connaissances musicales, quels que soient vos efforts. Cela dit, j’essaie d’écouter beaucoup de musique, ancienne et nouvelle. Mais aussi la musique qui se joue actuellement sur scène, en particulier à New York, simplement parce que j’y vis et que j’essaie de me tenir au courant des jeunes musiciens qui émergent et de voir ce que font les gens. Pour moi, c’est assez génial de pouvoir jouer dans un festival quelque part, et de pouvoir écouter autant de musique que possible. J’essaie d’aller à pas mal de concerts à New York. C’est primordial. Une partie de mon influence vient de mes contemporains, et pas seulement de mes héros en musique.

On entend facilement dans ta musique comment l’individu façonne le collectif. Quel espace accordes-tu aux musicien·nes quand tu les réuni·es ?

J’ai toujours beaucoup aimé le modèle de Duke Ellington, qui consiste à mettre en avant des personnes ou à essayer de créer quelque chose qui permette à quelqu’un de vraiment se démarquer. C’est en partie le défi que je me lance lorsque j’accueille un musicien dans mon groupe. J’ai choisi ce musicien parce que j’adore sa façon de jouer. Alors, comment puis-je créer une structure ou quelque chose qui lui permette vraiment de s’épanouir ? Et c’est intéressant aussi, parce que je joue dans beaucoup d’autres groupes. Et je pense que cela fait partie de mon apprentissage : je me dis « waouh, c’est vraiment amusant de jouer ça ». Pourquoi ? Comment puis-je créer cela à ma manière ? Ce qui m’a toujours tenu à cœur, c’est de mettre tout le monde en avant. Je n’essaie pas de prendre la lumière seule. Je veux que tous les membres du groupe aient autant d’espace pour créer, car tout le monde est impliqué. J’essaie simplement de créer un cadre où différentes choses peuvent se produire chaque soir. Ce n’est pas que je m’ennuie facilement, mais… Tu sais, si je joue exactement le même set et que les chansons se déroulent toujours de la même manière, ça me fatigue très vite. Donc, pour moi, le groupe idéal est un groupe avec lequel on peut partir en tournée et où les morceaux se développent sans cesse et jamais de la même façon.

Quel genre de leader es-tu ?

Je n’aime pas contrôler les choses. Je ne veux pas dire aux gens comment jouer, car je n’aime pas qu’on me dise comment jouer. J’essaie donc de parler le moins possible et de créer un morceau de musique que je peux simplement donner à quelqu’un, histoire de voir ce qui se passe. Et bien sûr, si quelque chose ne va pas, je le dis. Mais le plus important, c’est vraiment de choisir les bonnes personnes. Je réfléchis beaucoup aux musicien·nes que je veux dans le groupe, aux raisons pour lesquelles je les veux et à ce qu’ils peuvent apporter au groupe. Chacun·e doit être fiable, excellent musicien, être unique, avoir de multiples compétences, savoir écouter et ne pas monopoliser la musique.

En écoutant cela, je me demande s’il existe beaucoup de musiciens qui possèdent toutes ces qualités.

Il y en a et c’est même ce qui est incroyable ! Rien qu’à New York, il y a tellement de musicien·nes excellent·es, super créatif·ves, de très haut niveau et très cools. Parfois, on prend un risque ou on tente sa chance avec quelqu’un qu’on ne connaît pas très bien. J’ai toujours eu beaucoup de chance avec les gens. Je pense avoir une bonne intuition pour cela.

J’ai beaucoup parlé de musiciens masculins, mais quand, en 2018, tu sors Code Girl, quelle est la signification du titre ?

Tout d’abord, la signification de ce titre, Code Girl, vient d’Anthony Braxton, car c’est quelque chose qu’il disait, juste en passant. Je ne sais même pas de quoi il parlait. Mais il disait quelque chose comme « oh, hello la code girl ». Et il m’a filé le code : 5-5-5-5. Cela ne signifie pas nécessairement quelque chose. C’était juste une chose dite en passant. Je suis sûre qu’il ne se souvient même pas de l’avoir dite. Mais comme je suis toujours à la recherche de titres, je l’ai notée. Je me suis dit que Code Girl, c’était plutôt cool. Avec le contenu des paroles, qui semblaient codées et cryptiques, pas vraiment directes, mais plutôt ambiguës, ça collait bien au titre du groupe. Après, pour le fait de travailler avec des femmes, la question est intéressante, parce que ça a beaucoup changé. Quand j’étais plus jeune, au lycée puis à l’université, j’étais presque toujours la seule femme. Et je m’y suis habituée. Puis, à un certain moment, les choses ont commencé à changer. Je participais à des stages, et j’étais toujours la seule fille à jouer de la guitare. Parfois, il y avait quelques autres femmes, mais elles jouaient d’un autre instrument. Je n’avais donc pas beaucoup de rôle modèles féminins. Cependant, j’ai eu beaucoup de chance, car j’ai rencontré beaucoup de rôles modèles hommes qui m’ont vraiment soutenue. Je me sens donc chanceuse, et toutes les femmes qui débutent n’ont pas cette chance. Au fil du temps, j’ai rencontré de plus en plus de femmes qui jouaient ce genre de musique créative et j’ai travaillé avec de plus en plus de femmes, y compris des musiciennes que j’admirais vraiment, comme Myra Melford ou Sylvie Courvoisier. Je pense qu’aujourd’hui, il n’est pas rare pour moi de faire partie de groupes où les femmes sont plus nombreuses que les hommes. Et je trouve ça vraiment génial, car c’est très différent dans le fonctionnement d’un collectif. C’est même ainsi que ça devrait être. Mais il reste encore beaucoup de chemin à parcourir. Si on regarde la situation dans son ensemble, c’est toujours un monde dominé par les hommes. Il y a quelque chose de particulier avec la guitare. Il faudrait vraiment plus de femmes guitaristes.