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Fabien Simon : Depuis la fin des années 1970, Impulse! a connu des périodes de sommeil et changé de mains à plusieurs reprises, au point qu’on pourrait perdre de vue la direction artistique de ce label légendaire. Où en est le label aujourd’hui ? Quelle est sa ligne éditoriale ?

Jamie Krents : Impulse! Records est une pièce maîtresse du Verve Label Group, une division d’Universal Music. Bien que je puisse comprendre pourquoi certaines itérations précédentes ont pu sembler moins fidèles à l’esprit originel du label, nous sommes très fiers de constater qu’au cours des neuf dernières années, Impulse! a rétabli sa réputation en tant que maison pour certains des artistes les plus audacieux et visionnaires du jazz.

FS : Ces dernières années, avec des signatures comme Shabaka, Brandee Younger, Irreversible Entanglements, The Messthetics & James Brandon Lewis, entre autres, Impulse! semble déterminé à donner plus de place à des projets qui repoussent les limites du jazz — ravivant ainsi un esprit avant-gardiste que le label avait quelque peu laissé de côté. Quelle a été la réflexion derrière ce retour à l’avant-garde ? Comment se prennent les choix artistiques pour les nouvelles sorties ?

JK : Heureusement, les pionniers d’Impulse! ont laissé une feuille de route claire montrant que même les artistes les plus avant-gardistes peuvent trouver leur public s’ils réalisent des disques marquants. Nous considérons Impulse! comme un continuum où les nouveaux enregistrements de Shabaka, Brandee et des autres artistes actuels s’inscrivent de manière cohérente aux côtés de nos titres les plus emblématiques du catalogue, comme A Love Supreme de John Coltrane ou Black Saint and the Sinner Lady de Charles Mingus, pour n’en citer que quelques-uns.
Un grand mérite revient à Dahlia Ambach-Caplin, responsable A&R qui a signé la plupart des artistes actuels d’Impulse! et qui est ma partenaire dans la constitution du roster moderne. Nous cherchons avant tout des artistes qui ont quelque chose d’unique à dire.

FS : Dans le marché du disque actuel, comment Impulse! envisage-t-il les années à venir ? À quoi imaginez-vous que le label ressemblera dans dix ans ?

JK : Nous pensons que c’est le meilleur marché pour un label comme Impulse! depuis sa création en 1960. Les auditeurs sont moins attachés aux genres que jamais et nous constatons que les jeunes fans sont extrêmement ouverts et intrigués par les musiciens qui font des déclarations artistiques intemporelles et uniques. Il y a un optimisme sincère quant à la capacité du label à continuer de s’appuyer sur son riche catalogue et à rester une maison vibrante pour les artistes pionniers.

Fabien Simon : International Anthem a célébré son 10ᵉ anniversaire en 2024, et on a l’impression que le label a toujours été là. Peux-tu nous rappeler ce qui vous a poussé à le créer à une époque où vendre des disques est loin d’être une évidence — et où cela demandait sans doute beaucoup de persévérance ? La passion, j’imagine ?

Scott McNiece : Lorsque nous avons lancé ce label, la motivation était avant tout très simple : l’inspiration que nous procuraient les artistes qui nous entouraient à Chicago, et le sentiment que beaucoup d’entre eux avaient réellement besoin d’accompagnement. À l’époque, il n’existait pas vraiment d’industrie ni d’infrastructures pour la musique créative à Chicago, ni beaucoup d’opportunités ou de débouchés pour les artistes qui faisaient ce type de musique afin d’enregistrer et de publier des disques. Et comme je le disais, nous étions profondément inspirés par les artistes de notre entourage — des musiciens que j’avais rencontrés à travers mon travail de programmateur de concerts à Chicago. Je trouvais que ces musiciens faisaient partie des artistes les plus incroyables et les plus innovants que j’aie jamais entendus, et je savais qu’ils méritaient de toucher un public bien plus large. Je voulais mettre à contribution le temps, l’expérience et les compétences que j’avais, afin de les aider à développer leur audience.

FS : Comment envisagez-vous la direction artistique du label ? Qu’est-ce qui guide votre décision de soutenir un artiste plutôt qu’un autre ? Avez-vous une stratégie particulière en tête ?

SMcN : Hmm…  eh bien, nous essayons de ne pas être trop formatés ni enfermés dans des habitudes. Mais je dirais que la curation du label est avant tout fondée sur la communauté. Nous privilégions le travail avec des artistes qui sont liés, d’une manière ou d’une autre, à des artistes avec lesquels nous collaborons déjà.

FS : Ce que je trouve remarquable, c’est votre ancrage géographique et votre capacité à construire une communauté avec les musiciens — d’abord à Chicago, puis aujourd’hui à Los Angeles. Parle-nous de la scène jazz et musiques improvisées à L.A. : qu’est-ce qui la définit ? Comment la décrirais-tu ? Comment International Anthem a commencé à travailler avec SML, Anna Butterss et Jeremiah Chiu ?

SMcN : Oui, tu as tout à fait raison. Comme je l’ai mentionné plus haut, la construction d’une communauté est absolument ce qui nous motive et ce qui unifie notre travail. Et c’est aussi la réponse à la question de savoir comment nous avons commencé à travailler avec Jeremiah Chiu, Anna Butterss et SML ! Ce sont pour la plupart des musiciens que nous avons rencontrés à l’origine à Chicago, à travers notre travail là-bas. Josh Johnson, de SML, a été l’un des tout premiers musiciens que j’ai programmés lorsque j’ai lancé ma première série de concerts de jazz au Curio à Chicago, en 2011. Il vivait à Chicago avant de s’installer à Los Angeles. Et Anna Butterss venait aux concerts de Josh au Curio…  pour écouter !
Toujours à cette époque, au Curio, j’ai programmé Gregory Uhlmann (de SML). Je crois qu’il n’avait que 19 ans à l’époque. Et avant de déménager à Los Angeles, Jeremiah Chiu vivait à Chicago (il a grandi juste à l’extérieur de la ville) et réalisait des travaux de graphisme pour l’organisation où International Anthem avait son tout premier bureau (Public Media Institute, Lumpen radio/magazine, dans le sud de Chicago). C’est ainsi que nous nous sommes rencontrés.
Lorsque j’ai déménagé à Los Angeles en 2019, Jeremiah y vivait déjà depuis quelques années et il est rapidement devenu l’un de mes plus proches amis ici. En m’installant à Los Angeles, j’ai commencé à aller voir les concerts des musiciens que je connaissais sur place — Anna, Josh, Greg et Jeremiah, ainsi que Jeff Parker bien sûr, avec qui nous travaillions déjà et qui vit à Los Angeles depuis 2012. À partir de là, je dirais que la construction de la communauté et la « curation » des sorties de ces artistes se sont faites très naturellement. Même s’ils ne représentent pas à eux seuls l’ensemble de la scène jazz et musique improvisée de Los Angeles, ces musiciens incarnent à bien des égards ce que je considère comme une nouvelle facette très stimulante de cette scène — une facette que j’appelle affectueusement la « school of Jeff », puisque beaucoup d’entre eux sont soit des protégés de Jeff Parker, soit reliés à sa musique d’une manière ou d’une autre.

FS : Dans le contexte actuel du marché du disque et de la musique live, comment envisagez-vous votre évolution dans les années à venir ? Où imaginez-vous que le label sera dans dix ans ?

SMcN : L’environnement actuel rend très difficile toute projection à dix ans, tant le rythme auquel la technologie transforme nos cultures, nos industries et nos réalités — et l’humanité dans son ensemble — est fulgurant. Nous allons donc avancer de la seule manière que nous connaissons : en plaçant la communauté au cœur de notre travail, en essayant de rester inspirés, et en continuant à apporter des contributions essentielles et singulières aux artistes et aux publics que nous accompagnons.